Programa – Program

CIBA 2018 _ Programa – Program (PDF)

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Estado de Creación- Silvio Fischbein

Se propone un análisis acerca de las diferencias, en el mundo del arte, entre la investigación para la reflexión y para la creación, haciendo especial énfasis en la última. De la reflexión se esperan conclusiones. De la creación se espera que el espectador se involucre para hacer la obra propia.

Se propone una metodología de trabajo para la creación que implica una investigación cotidiana, un ejercicio diario que lleva a un estado de creación basado en una determinada mirada. Esta mirada creativa es producto de cuestionamientos del creador, cuestionamiento que surge de una determinada ideología, de un determinado posicionamiento sobre lo real. Una actividad similar al entrenamiento de un deportista.

Se analizará el lugar que le cabe a quien es receptor de estas investigaciones, de reflexión y de creación. El lugar del espectador en la creación, su participación, los cambios que produjo la contemporaneidad. La obra inconclusa que llevan a la investigación del espectador para encontrar su lugar frente a la obra. Los espacios vacíos para que el espectador pueda “anudarse” en la obra.

En la contemporaneidad, en este momento que por ahora parece que ha llegado para quedarse, los bordes diluidos hacen pensar en una nueva concepción de las disciplinas del arte, donde los conceptos a los que se llega en este estado pueden buscar soporte en las diversas artesanías u oficios de las disciplinas.

Finalmente se realizará una reflexión acerca del lugar de las Escuelas de Arte en la producción creativa en los escenarios actuales.

Biografía: Silvio Fischbein, nació en 1949, argentino, vive y trabaja en Buenos Aires. Profesor Consulto de la Universidad de Buenos Aires. Ha realizado 30 cortometrajes, 5 largometrajes y 2 videoarte en carácter de guionista y director. Ha realizado 32 exhibiciones individuales de sus trabajos visuales y participó de 48 exposiciones grupales. Fue becado en reiteradas oportunidades por los Gobiernos de Canadá y de Francia. Entre otras distinciones, obtuvo el Premio George Meliès en 1984 y la Beca de la Pollock-Krasner Foundation en 2015. En 2015 se publicó el libro “Silvio Fischein – artista visual” y se encuentra en producción el libro “Silvio Fischbein – 50 años en el arte” Actualmente preside CIBA – CILECT Ibero América y la Asociación de Artistas Visuales de la República Argentina.

Cruce de Caminos- Gabriel Alba, Juan Guillermo Buenaventura

Un estado del arte de la investigación-creación

Resumen:

Este trabajo busca esbozar las distintas acepciones del concepto de “investigación-creación” con el fin de aprovechar su capacidad heurística. Se afirma que sorprende el uso monolítico del neologismo en castellano, en contraste con la variedad de matices de significación que caracterizan al concepto en inglés. Se definen conceptos como “investigación basada en la creación”, “investigación dirigida a la creación”, “creación como investigación”, el “performance como investigación”, “el uso de las artes en la investigación”, la “artegrafía”, la “creación como investigación”. Se realiza una historia del debate sobre el tema y se ponen las bases de un estado del arte guiado por la pregunta: ¿es el arte investigación? Finalmente, se enfatiza en la creación como investigación en procesos concretos e históricos de creación artística y, a partir de las categorías propuestas por el artista e investigador australiano Graeme Sullivan, se proponen cinco categorías para entender los actos investigativos en los que se involucran artistas y cineastas concretos.

Palabras clave:Investigación, investigación-creación, creación artística, creatividad, procesos creativos, cine, prácticas artísticas, arte, actos investigativos en el arte.

 

Abstract:

The paper seeks to outline the different meanings of the relationship “research/art”, in order to take advantage of its heuristic capacity. The article seeks to emphasize the concept “research/art” in the audiovisual arts, placing the notion in the wider debate of the arts, of artistic creation and, indirectly, in the fields of design and architecture. It is said that the “monolithic” use of the neologism “research/art” in the Spanish contrasts with the variety of meanings that characterize the concept in English. Several concepts are defined: “practice-based research”, “practice-led research”, “practice as research”, “practice as research in performance”, “arts-based research”, “arts-informed research”, “a/r/tography”, and “research acts in art practice”. A history of the debate on the subject, and the fundaments of a state of the art, is proposed, guided by the question: is art research? Finally, the article emphasizes on “research acts in art practice” in concrete and historical processes of artistic creation and, based on the categories of Australian artist and academician Graeme Sullivan, five categories are proposed to understand the research acts in which concrete artists and filmmakers are involved.

Keywords:Research, artistic creation, creativity, creative processes, film, art practice, art, research acts in art practice.

 

La Memoria Maleable- Antonio Yglesias.

Cuatro décadas de transformación de la película Nicaragua, patria libre o morir (1978). Ponencia a cargo de Antonio Yglesias.

Hace cuatro décadas el costarricense Antonio Yglesias codirigió Nicaragua, patria libre o morir: un documental que pretendía explicar los motivos de la insurrección del Frente Sandinista de Liberación Nacional (FSNL) en ese país. La película, que incluye entrevistas con miembros claves del Frente como Edén Pastora, Ernesto Cardenal y Daniel Ortega, le otorgó gran simpatía internacional al FSNL, colaboró con la victoria de la revolución sandinista -llamada así en memoria de Augusto César Sandino- y ganó el premio principal del Festival Internacional de Moscú.

Durante los 40 años que han transcurrido desde entonces, el documental ha experimentado una serie de transformaciones, sustracciones y apropiaciones que invita a la reflexión sobre los usos y las formas de circulación del audiovisual en nuestros días. Estos cambios han motivado al cineasta Antonio Yglesias a seguir la sinuosa estela del documental. En este momento en que Nicaragua está gobernada por el sandinista Daniel Ortega y que la revolución definitivamente no es lo que fue, en este mundo contemporáneo maleable y escurridizo, esta investigación sobre el propio archivo fílmico y sus múltiples transformaciones resulta algo más que pertinente.

LA MEMORIA MALEABLE. Descargar PDF. 

Somos los otros- Jurgen Ureña

Identidad y otredad en el proceso creativo de la película Abrázame como antes (2016). Ponencia a cargo de Jurgen Ureña.

Abrázame como antes es una película protagonizada por actrices transgénero, basada en la novela Candelaria del azar de la escritora Tatiana Lobo. Su proceso creativo, que tuvo una duración de siete años, incluyó talleres de actuación y narrativa con personas trans de la ciudad de San José y dos cortometrajes que funcionaron como bitácoras de viajero hacia el proyecto de largometraje: Paso en falso (2010) y Los inadaptados (2013).

Ese largo proceso de investigación hizo posibles el contacto con realidades que usualmente son exploradas desde la banalización y el amarillismo, así como el abordaje de las complejas relaciones que existen entre conceptos como identidad y otredad. La convivencia con ese llamado otro ha producido desde siempre inquietudes y tensiones sociales; crisis de identidad, violencia y exclusión.

Esa exclusión explica que, entre las muchas películas interpretadas por personajes transgénero, solo unas cuantas sean interpretadas por actrices de esa comunidad. Puede afirmarse que esa contradicción interna está comenzando a quedar atrás, si consideramos la existencia y el buen suceso de películas como Tangerine (2015) y Una mujer fantástica (2017), reciente ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera. La experiencia de Abrázame como antes da cuenta de los primeros pasos de ese lento y valioso cambio en la región centroamericana.

 

SOMOS LOS OTROS. Descargar pdf

Las 4 estaciones de Eros y Psique- Israel León Fájer

Tomando como punto de partida el concepto de in-between-ness de Gregory Seigworth y Melissa Gregg, la investigación se enfocó principalmente en los espacios intermedios que existen (o se generan) entre los límites de las ficción y la realidad, la relación entre personaje y actor, la audiencia y el producto artístico y por último la relación entre la imagen cinematográfica y la representación escénica.

Para fines estructurales el proyecto se dividió en cuatro etapas de investigación tomando como pretexto las estaciones del año.

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Creativity First- Ravi Gupta

As History has shown us, Civilizations that have been creative have survived the best. We have seen civilizations that through creative innovation have built empires, left behind architectural marvels and amazing tools of communication. We saw a similar pattern in the industrial age when companies that were creative in production survived. Today in the age of information, Companies that are creative are the ones that are the world’s leading companies.

What is creativity? It is not easy to define creativity, but when you look at the animal kingdom the one thing that differentiates Homo Sapiens from other species is that we are creative. Visualizing something meaningful that does not exist and then making it exist, is what creativity is. Giving the world something that it didn’t know it was missing is what creativity is.

It would be wrong to restrict talk about creativity only to the so called creative industries that we are a part of. It certainly is the most visible attribute of our industry but a tech company has to be creative, an automobile company needs to be creative, a construction company must be creative. Forms of life that have survived, as postulated in Darwin’s theory of survival of the fittest, are really forms that were creative and adapted to the needs or addressed the needs of survival through creative evolutionary solutions. There is so much creativity out there in nature that has helped us find our own solutions whether in communication, colors, textures, material, modes of movement, construction etc. If we are observant, explorative and analytical there is a lot of creativity to be discovered in nature. Identifying our own human problems and needs, and putting to use available resources, technologies and ideas in solving problems is creativity. Such creativity leads to inventions that have transformed our society and changed our lifestyles. These include creative understanding, design and application of techniques and technologies. Early creativity included sound manipulation, word and language structuring and recording techniques. Recent creative inventions include the transistor, mobile communication and internet. .

Our creative skills have been as old as our communication skills. We passed on knowledge during much of civilization through oral tradition and most of it was by way of story telling, music, dance and performing arts. By the third millennium BC, over 5000 years ago, we learnt the skill to write using representative drawings, characters and words. Initially we ‘fixed’ them on rocks and later on papyrus. This helped us ‘fix’ our knowledge and experience and pass it on to later generations resulting in accumulation of knowledge.  With the invention of the printing press by Gutenberg in the mid 15th century AD we acquired the skills to reproduce what we fixed. The easy reproduction of written matter helped the Church to spread its message by way of the printed Bible. It also helped the State to spread its dictat through such reproductions. As private individuals and thinkers started to use the printing technologies to distribute written matter that the Church or State thought was seditious, the State brought in legislation that controlled reproductions of written matter. This was the beginning of Copyright. Early Copyright laws were enacted to protect the interests of the State or Church and not those of the authors. Over time the rights of the authors got their due and laws shifted from protecting the interests of the State to those of the creators.

The British Statute of Anne 1710, full title “An Act for the Encouragement of Learning, by vesting the Copies of Printed Books in the Authors or purchasers of such Copies, during the Times therein mentioned”, was the first copyright statute. Initially copyright law only applied to the copying of books. Over time other uses such as translations and derivative works were included. With the emergence of the industrial revolution an entire jurisprudence on Intellectual Properties including Trade Mark, Inventions and Copyright evolved that had at its core protecting and encouraging creativity, as real value vests in Intellectual Properties. It is hardly surprising that the world’s largest and most respected companies are those that own valuable IP. Many of these companies did not even exist 15 years ago but thanks to their IP have reached the top of the league as the most valuable Companies. It is estimated that 84% of market value of S&P 500 Companies comes from intangible assets!

While industrial revolution had as its bedrock simplified and repetitive processes that required the worker to do his bit repetitively, modern Companies have realised that conformity is the antidote of creativity. Highly creative Companies (often referred to as tech companies) such as Google, Apple, Disney, Face Book encourage their employees to be non conformist creative thinkers who follow none of the basic disciplines and tenets of the industrial worker. The work culture and environment created is one that breaks hierarchies, reporting structures, time schedules and instead focus on problem identification and solving, user experience, design.

This brings us to a valid question. Can creativity be taught?

It is true that there are many examples of creative geniuses who have neither had formal education nor have worked with abundant resources and yet have been highly creative. There is no doubt that geniuses cannot be the output of Universities, colleges or formal education. Geniuses can see things that normal people cannot. However by providing the right environment that encourages experimentation; questions traditional narratives, accepts failure, brings minds with different perspectives together, offers seemingly unrelated programmes and learning modules and encourages cross thinking; institutes can provide the right eco system for creative minds to unlock. We are all born creative. We just tend to suppress our creativity under pressure of parents, family, peer group that culturally discourage trying out something new or mock at failure with ‘I told you so’.

Only societies that have encouraged creativity, innovation and entrepreneurship have risen to the top of the league of Nations.

The Media and Entertainment industry is often referred to as the ‘creative industries’. This reference reflects the fact that our output is largely Intellectual Properties. That is our product. It would therefore be fair to say that those industries that are primarily engaged in creating IP are part of the creative industries.

Today creative industries account for America’s second largest exports contributing enormously to its GDP. More significantly they sell the American Dream, its goods and services, fashion and lifestyle, capture mind space and create its Brand equity globally through such IP.

The focus on teaching or encouraging creative thinking in all areas of economic activity helps a nation to grow. The US not surprisingly has filed for 80% of all patents globally in the last 15 years. India in comparison filed for just 1% of all applications for patents during that period. We see that creative culture even in a small nation such as Israel has helped address problems of water shortage, security issues and agriculture in a non fertile land through various creative and innovative solutions. Creativity must come First in any company’s or country’s agenda. A country which cannot sing its own songs, tell its own stories, create its own music, find its own solutions to problems is indeed a poor nation.

Limpiar la mirada- Arturo Arango

Cuando trato con mis estudiantes sobre la construcción de personajes, les explico que, de acuerdo con el sicólogo Eric Berne, todos estamos atrapados en sucesivos guiones de vida, es decir, en argumentos prestablecidos por la sociedad, por la comunidad a la que pertenecemos o por nuestra familia, que nos sentimos obligados a representar de una forma u otra. La mayoría de los conflictos que enfrentan sus personajes, les digo, están ubicados en las colisiones de ese conjunto de fuerzas que ha sido representado como una sucesión de círculos concéntricos.

Pero sucede que ellos mismos están atrapados en la red. Siendo, mayoritariamente, jóvenes que atraviesan su tercera década de vida, o que, incluso, no han cumplido aún los veinte años, como cineastas están en búsqueda de su voz, de su universo. Llegan a las aulas con una visión del cine que han heredado pero que en no todos los casos les sirve para llegar a sí mismos.

Las escuelas de cine en que he trabajado por más tiempo, la EICTV y el Departamento de Imagen y Sonido de la Universidad de Guadalajara, se caracterizan por su vocación social. Una parte de los procesos creativos en que son guiados los alumnos está destinada a que, sobre todo mediante el lenguaje documental, miren de otro modo la realidad en que viven. En ambos centros docentes, los estudiantes se desplazan hacia zonas rurales o hacia pequeñas ciudades, y allí investigan sobre seres humanos cuyas experiencias vitales, muchas veces deslumbrantes o entrañables, les revelan otras realidades, otros ámbitos hasta entonces desconocidos. Los documentales rodados en tales circunstancias suelen transformar la percepción que estos jóvenes tenían de esos universos, y son de las obras más valiosas que se han realizado en ambas escuelas. Ha sucedido con cierta frecuencia que algunos regresan para hacer allí sus tesis, es decir, para completar o profundizar la investigación anterior.

El descubrimiento, la afirmación de una voz propia, pasa también por otro polo: el descubrimiento de sí mismo. El novelista cubano José Soler Puig gustaba aconsejar a los jóvenes escritores que el primer ejercicio de su profesión debía ser escribir su autobiografía. Una autobiografía cuyo único destino es ser escrita, es decir, poner en blanco y negro todo aquello que no confesaríamos a ninguna otra persona. Una vez terminada, a las llamas. Con ese ejercicio suelo comenzar un taller en la EICTV en que participan estudiantes de guion, producción y dirección de segundo año, y cuyo objetivo es la búsqueda de ideas para realizar juntos un cortometraje. Luego, algunos

de estos alumnos estarán en talleres de cine autorreferencial. Contarán historias de sus propias vidas, y las mostrarán solo a sus compañeros y a su profesor. Se establece entre ellos un pacto de confidencialidad que permite que en las indagaciones que emprenden, ya con actores y cámaras, se atrevan a llegar al fondo de sí mismo, explorar sus inseguridades, sus miedos, sus vergüenzas.

Vengo utilizando aquí la palabra “taller” para designar lo que en otros espacios se llamarían “cursos”, “seminarios”, “conferencias”… El principio docente de la EICTV ha sido, desde su fundación, que los estudiantes deben aprender haciendo. El profesor, entonces, es sobre todo un guía, una suerte de instructor cuya obligación no debería ser dictar cátedra desde un saber que supone indiscutible, sino compartir las experiencias acumuladas en el ejercicio de la profesión.

Tendríamos entonces un recorrido que implica investigar para descubrir la realidad que está más allá, incluso fuera del borde en que se desenvuelven sus vidas; investigar para descubrirse a sí mismo, revelar sus obsesiones, las pulsiones que los han arrastrado a la creación artística, y todo ello mediante un ejercicio docente que pretende ser horizontal, que deja gran parte del aprendizaje en manos de los propios estudiantes.

Todo ello, sin embargo, sería inútil si no se complementa con la investigación en lenguajes estéticos diferentes. Desde mi punto de vista, el mayor obstáculo que puede enfrentar la enseñanza del cine en cualquiera de sus especialidades es que los estudiantes ingresan en nuestras escuelas atrapados en otro guion, obviamente no descrito por Berne. La enorme mayoría de ellos ha visto sobre todo un tipo de cine que ejerce su hegemonía de forma implacable. Su dominio es tan grande, que opera también desde la docencia: la mayoría de los manuales de guion, por dar un ejemplo que me es cercano, se dedican a dictar normas que reproducen ese modelo hegemónico.

El mejor antídoto contra cualquier discurso hegemónico es el de la diversidad. Limpiarles la mirada, despojarlos de esos lentes ajenos con que llegan a las aulas para que, como adolescentes que buscan angustiosamente su identidad, encuentren también un lenguaje estético propio con el cual representar los universos que, paralelamente, están descubriendo.

Hay que mostrarles, entonces, todo el cine posible: el experimental, el que todavía es balbuciente, el que expresa necesidades de culturas lejanas a las nuestras. Que conozcan que cuanto han visto hasta el momento de entrar a las aulas es solo un tipo de cine, no El cine. Por supuesto, si su sensibilidad, sus expectativas, corresponden con tal modelo, deben tener la libertad absoluta de realizarse en él, pero lo harán luego de un viaje de regreso que estará marcado por las huellas de la trasgresión.

Nada de lo anterior será efectivo sino sucede en un espacio de libertad. Mostrarles un cine diverso implica nuestro compromiso con ellos para permitirles que

cualquier exploración que emprendan pueda llevarlos a sitios donde nadie, ni ellos ni nosotros, suponíamos que iban a llegar.

Algo de esto hemos intentado hacer en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños. He reunido, en estas ideas, realidades con ilusiones; experiencias con proyectos. Aunque los profesores, directivos, estudiantes hemos sido diversos a lo largo de los treintaitrés años de existencia, estas son las ideas que animaron a los fundadores, y que hemos intentado seguir.

La verdadera enseñanza del arte debe ser aquella que esté dispuesta a derribar toda barrera que limite a los estudiantes: liberarlos de esos guiones de vida que otros les hemos escrito, y dotarlos de los recursos necesarios para que sean ellos mismos quienes tracen, progresivamente, las líneas que van generar obras tan necesarias como auténticas.

 

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Toronto Hides Itself – Alexandra Anderson (Ryerson University, Canada)

Proposal for the CIBA conference 2018

 

SUMMARY OF CONTRIBUTION:

 

I would like to present my research project entitled Toronto Hides Itself as a work in progress and a case study, the design of which attempts to addresses key challenges faced by university teachers when attempting to remain current and engage in a creative practice.

 

Toronto Hides Itself is a database documentary and an art installation that that takes full advantage, conceptually and technologically, of the increased accessibility of the archive, made possible by the Internet. Beginning with a database of 900 titles of films shot in Toronto the

project aims to explore the experience of seeing Toronto on film by collecting images from Hollywood blockbusters, B movies and Canadian independent films, setting them beside documentary images of key intersections and landmarks in the city, to create a tactile and emotional viewing experience. As one of the film industry’s most used stand-in locations and a centre for local, non-Hollywood production, Toronto is an ideal site to explore, creatively, the problematic notion of a national cinema and how it interfaces with globalized cinema.

 

Role of students: The design of the project places students at its centre.  Students have been employed to populate the database, shoot, record sound and edit interviews and documentary footage.

 

Timeline:  2015-2019 A key aspect of the design was the extended timeline allowing for down time during the teaching terms and ensuring that students could work on this while attending school.

 

Funding:  The project was designed to draw on current theoretical writing and to contribute to our understanding of how location works on film.   Situating the project within current theoretical fields of inquiry allowed us to apply for (and receive) research and production funds from Canada’s Social Sciences and Humanities Research Council (SSHRC).

 

For my ten-minute presentation, I will show a five-minute clip and discuss how the design of the project made it possible to integrate into an academic setting.

 

CURRICULAR SYNOPSIS: This is an extra- curricular project.

 

BIOGRAPHY

 

Alexandra Anderson is a researcher, writer and filmmaker. Her areas of research and publication include Canadian documentary, Cuban cinema, women and film, and documentary pedagogy. She has eighteen years of professional experience in the film and television industries working as a researcher, film editor and director/ producer. Her documentaries (made for British television) have won awards in Europe and Canada and have been seen around the world. Some titles are: Hell to Pay, (Best Film, Creteil Film Festival, and Montreal Women’s Film and Video Festival) Chile: Broken Silence and Tales from Havana.

 

She teaches film history and documentary production at the undergraduate and graduate levels. She has co-ordinated the Documentary Filmmaking in Cuba course (a collaboration between Ryerson’s Chang School and the Escuela Internacional de Cine y Televisión in Cuba). She served as Chair of the School from 2010-2015.

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